Culture pop : d'où elle vient et comment elle influence l'art

Une boîte de soupe, une case de bande dessinée, un visage de star : ces images de tous les jours sont devenues, il y a soixante-dix ans, des sujets d’art à part entière. La culture pop n’a cessé depuis de nourrir les artistes, et inversement. Voici d’où elle vient, comment elle a transformé l’art, et comment la découvrir aujourd’hui, au musée comme dans la rue.

Qu’est-ce que la culture pop, exactement ?

On appelle culture pop, ou culture populaire, l’ensemble des productions culturelles de masse : publicité, cinéma, télévision, musique populaire, bande dessinée, puis séries, jeux vidéo et réseaux sociaux. Elle se caractérise par sa diffusion industrielle, son accessibilité et sa capacité à créer des icônes partagées par des millions de personnes.

Longtemps, cette culture a été opposée à la « grande » culture des musées et des académies. Tout l’intérêt de l’histoire qui suit tient dans la façon dont cette frontière a été contestée, puis largement effacée.

D’où vient le pop art ?

Une naissance britannique

Contrairement à une idée répandue, le pop art ne naît pas à New York mais à Londres. Au milieu des années 1950, un collectif d’artistes, d’architectes et de critiques réunis à l’Institute of Contemporary Arts, l’Independent Group, s’intéresse à la culture de masse américaine qui envahit l’Europe d’après-guerre : magazines, publicités, électroménager, cinéma hollywoodien.

Selon la Tate, ces jeunes artistes se révoltaient contre un enseignement et des collections de musée qui n’avaient, à leurs yeux, aucun rapport avec leur vie quotidienne. Ils ont donc pris la culture de masse comme sujet. En 1957, Richard Hamilton résume ce que doit être le pop dans une liste restée célèbre : populaire, éphémère, jetable, bon marché, produit en masse, jeune, spirituel, sexy, astucieux, glamour, et un grand business.

L’explosion américaine

À la fin des années 1950, le mouvement gagne les États-Unis, où il atteint son apogée dans les années 1960. La Tate souligne une différence de ton : le pop britannique est plus distancié, ironique et analytique ; le pop américain revient à une figuration nette, aux contours durs, après les grandes toiles gestuelles de l’expressionnisme abstrait, et adopte des images volontairement impersonnelles.

Warhol, Lichtenstein et les autres : ce qu’ils ont changé

Andy Warhol, l’art de la répétition

Ancien illustrateur publicitaire, Andy Warhol expose en 1962 ses « Campbell’s Soup Cans » : trente-deux toiles, une par variété de soupe, aujourd’hui conservées au MoMA de New York. Détail souvent ignoré, ces toiles sont peintes à la main, alors qu’elles imitent la froideur d’un produit industriel. Warhol expliquait avoir mangé cette soupe tous les jours pendant des années.

Il se tourne ensuite vers la sérigraphie, technique d’impression qui lui permet de répéter une image à l’infini : bouteilles de Coca-Cola, portraits de Marilyn Monroe, d’Elvis Presley, de Mao. En faisant de son atelier, la Factory, une véritable usine à images, il pose une question qui traverse encore l’art actuel : qu’est-ce qui distingue une œuvre d’un produit ?

Roy Lichtenstein, la bande dessinée agrandie

Roy Lichtenstein, lui, agrandit des cases de bandes dessinées de guerre ou sentimentales. « Whaam! » (1963), conservée à la Tate, montre un avion de chasse abattant un adversaire dans une explosion d’onomatopées. Lichtenstein reproduit à la main les points de trame de l’imprimerie, les contours noirs et les aplats de couleurs primaires. En isolant et en monumentalisant ces images, il oblige à regarder autrement ce que l’on feuilletait sans y penser.

Les autres figures

Claes Oldenburg sculpte des objets du quotidien, hamburgers, cornets de glace, pinces à linge, en versions molles ou géantes. James Rosenquist peint de vastes compositions inspirées des panneaux publicitaires. Tom Wesselmann multiplie les natures mortes et les nus intégrant des objets de consommation.

Comment la culture pop a-t-elle influencé l’art depuis ?

En Europe : Nouveau réalisme et Figuration narrative

En France, les Nouveaux réalistes, réunis autour du critique Pierre Restany à partir de 1960, s’approprient eux aussi le réel de la société de consommation : affiches lacérées, accumulations d’objets, compressions de voitures. Martial Raysse, proche du mouvement, peint des visages aux couleurs fluo inspirés de la publicité. Dans les années 1960, la Figuration narrative utilise à son tour les codes de la bande dessinée et du cinéma, mais avec une charge plus critique et politique.

De la rue au musée : le street art

Dans les années 1980, à New York, Keith Haring dessine à la craie dans le métro avant d’exposer dans les galeries, et Jean-Michel Basquiat passe du graffiti signé SAMO aux grandes toiles. Tous deux mêlent signes urbains, bande dessinée et références populaires, et Haring ouvre même une boutique pour vendre ses motifs sur des objets. Le street art actuel, des pochoirs aux mosaïques et aux fresques monumentales, prolonge cette logique : un art accessible à tous, dans l’espace public, nourri de culture visuelle partagée.

Manga, jeux vidéo et culture mondiale

À partir des années 1990, la mondialisation des images élargit encore le répertoire. Au Japon, Takashi Murakami théorise le mouvement « Superflat », qui puise dans le manga, l’animation et l’esthétique kawaii. Les personnages de jeux vidéo, les héros de comics, les mèmes et les références aux séries deviennent des sujets d’œuvres, tandis que les artistes collaborent avec des marques de mode et de musique. La frontière entre art et culture pop n’a jamais été aussi poreuse.

La musique, un laboratoire permanent

La musique a toujours été au cœur de ces échanges. Warhol conçoit la pochette de « The Velvet Underground & Nico » et sa célèbre banane ; Peter Blake et Jann Haworth réalisent celle de « Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band » des Beatles ; Richard Hamilton signe l’« album blanc » du même groupe. Aujourd’hui encore, pochettes, clips et scénographies de concerts restent un terrain d’expérimentation pour les plasticiens. La culture surf, avec ses planches peintes et ses affiches, offre un autre exemple de ce dialogue ; nous l’explorons dans notre article sur les origines du surf art.

Comment découvrir la culture pop aujourd’hui ?

Au musée et en exposition

Les grandes collections d’art moderne conservent des œuvres pop, mais leur accès change. À Paris, le Centre Pompidou est fermé pour une rénovation d’ampleur ; ses collections et sa programmation se poursuivent pendant les travaux dans des lieux partenaires, à Paris et en région, notamment au Centre Pompidou-Metz. Les musées d’art moderne en région et les grandes fondations privées organisent aussi régulièrement des expositions consacrées au pop art ou au street art : surveillez leurs programmations.

Pour tirer le meilleur de ces visites, notre méthode pour regarder une œuvre vous aidera à dépasser la simple reconnaissance d’une image célèbre.

Dans la rue et en festival

De nombreuses villes françaises ont développé des parcours d’art urbain, festivals de fresques et murs d’expression libre. Les festivals de bande dessinée, comme celui d’Angoulême, et les salons consacrés au manga et à la culture geek montrent aussi la vitalité de cette culture, et la manière dont elle croise l’illustration et les arts plastiques.

En pratiquant soi-même

La culture pop se prête particulièrement bien à la pratique amateur. Quelques pistes accessibles :

• Le dessin façon comics : contours noirs, aplats, trames de points. Les feutres à alcool sont l’outil idéal ; notre comparatif des meilleurs feutres à alcool vous aidera à choisir.
• La sérigraphie : la technique de Warhol se pratique à petite échelle avec un cadre, une raclette et des encres à l’eau.
• Le collage : découper des magazines pour composer une image, comme le faisait Richard Hamilton, reste un excellent exercice de composition.
• Le pochoir : une feuille de plastique, un cutter et une bombe de peinture suffisent pour comprendre les bases du street art, sur un support autorisé.

Par où commencer ?

Commencez par regarder de près deux œuvres fondatrices, les « Campbell’s Soup Cans » de Warhol et « Whaam! » de Lichtenstein : elles résument l’essentiel du pop art, la répétition industrielle d’un côté, la bande dessinée monumentalisée de l’autre. Puis ouvrez les yeux autour de vous : pochettes de disques, fresques de votre ville, affiches, jeux vidéo. Et si l’envie vous prend, essayez vous-même un portrait en aplats ou un collage : c’est la meilleure façon de comprendre comment une image populaire devient une œuvre.